חֲדָשׁוֹת

מוזיקה יוונית עתיקה

מוזיקה יוונית עתיקה

מוזיקה (או עכבר) היה חלק בלתי נפרד מהחיים בעולם היווני הקדום, והמונח כיסה לא רק מוזיקה אלא גם ריקוד, מילים וביצוע שירה. מגוון רחב של כלים שימש לביצוע מוזיקה שהושמעה בכל מיני הזדמנויות כגון טקסים דתיים, פסטיבלים, מסיבות שתייה פרטיות (סימפוזיונים), חתונות, הלוויות, ובמהלך פעילויות אתלטיות וצבאיות. מוסיקה הייתה גם מרכיב חשוב בחינוך והופעות דרמה יוונית שהתקיימו בתיאטראות כגון הצגות, רסיטלים ותחרויות.

מקורות מוזיקליים

עבור היוונים הקדמונים, המוסיקה נתפסה כמתנה ממש מהאלים. המצאת המכשירים הספציפיים מיוחסת לאלוהויות מסוימות: הרמס לירה, פאן הסירינקס (פאנפיפס) ואתנה ה aulos (חליל). במיתולוגיה היוונית המוזות גילמו את מרכיבי המוסיקה השונים (במובן היווני הרחב של המונח) ואמרו שהם מבדרים את האלים בהר אולימפוס עם המוסיקה האלוהית, הריקודים והשירה שלהם. דמויות מיתיות אחרות הקשורות מאוד למוזיקה הן אל היין דיוניסוס וחסידיו הסאטירים והמנאדות. אמפיון ותמירס היו מפורסמים שניהם בזכות כישורי המשחק שלהם קיתארה (גיטרה) ואילו אורפיאוס נחגג כזמר ונגן לירה מפואר.

היוונים האמינו שמוזיקה יכולה להשפיע לטובה הן על נפשו והן על גופו של המאזין.

כלי הנגינה היווניים הוותיקים ביותר ששרדו הם עצם auloi המתוארכים לתקופה הנאוליתית (האלף השביעי-הרביעי לפני הספירה) ונמצאו במערב מקדוניה, בסאליה ובמיקונוס. שלוש התרבויות העיקריות של תקופת הברונזה באגאי (3000 עד 1000 לפני הספירה), הציקלדיות, המינואיות והציוויליזציה המיקנית, כולן מספקות עדות פיזית לחשיבות המוזיקה בתרבויותיהן. צלמיות שיש מהקיקלדים מייצגות שחקנים של שניהם aulos והנבל. כתב הירוגליפי של כרתים כולל שלושה סמלים שהם כלי נגינה - שני סוגים של נבל וא סיסטרום (או רעשן, במקור ממצרים). ליר אלבסטר מעוטר בראשי ברבור שורד מקנוסוס ופרסקו באקרוטירי בתרה מתאר קוף כחול המנגן בזירה משולשת קטנה. אגרטל הקציר המינואי (1500-1450 לפנה"ס) מהאיה טריאדה בכרתים מתאר סיסטרום נמצאו גרסאות נגן וחימר של הכלי בקברים ברחבי כרתים. ישנן גם עדויות לכך שאולי מוזיקה נכתבה כבר בתקופת הברונזה אם טקסט לינארי מינארי על קיר בטריאדה של האיה מתפרש ככזה.

שילוב של מילים ומוזיקה, מערכות מלודיות וסקלריות, וכמה מכלי הנגינה הפופולריים ביותר כגון האולוס והזירה נגזרים כנראה מהמזרח הקרוב. עם זאת, היוונים עצמם ראו את הזירה, בפרט, כמכשיר 'יווני' בעוד שה- aulos מיוצג לעתים קרובות במיתולוגיה כמתחרה זרה נחותה ממוצא מזרחי. מכאן שהאל היווני הגדול אפולו, שהאמין כי הוא אמן השיר, ניצח את השאטרי המרסיאס הפריגי ואת שלו. aulos בתחרות מוזיקלית בה שופטים המוזות. השיר היה גם כלי הנגינה, מעל כולם, אותו היו צעירים יוונים צריכים ללמוד בלימודיהם והומלץ ככזה על ידי אפלטון רפובליקה.

כלי נגינה

כלי הנגינה היווניים כללו כלי מיתר, כלי נגינה וכלי הקשה. ללא ספק הפופולריים ביותר היו ה לירה, aulos (בדרך כלל כפול), ו סירינקס. עם זאת, מכשירים אחרים כללו את השקשוקה (סיסטרום ו סייסטרון), מצלתיים (קימבלה), גיטרה (קיתארה), חלילית (אסקולוס), קונכיות וטריטון (קוכלוס), חצוצרה (סלפינקס), צופר (keras), תוף מרים (רופטרון), תוף רדוד (טימפנון), מחיאות כפיים (קרוטאלה), maracas (phormiskoi), קסילופון (psithyra), גרסאות שונות של הציר כגון לירה בעלת ארבעה מחרוזות (פורמינקס) והרב מיתרים ומוארכים ברביטוןוסוגים שונים של נבלים, בדרך כלל בצורת משולש (למשל psalterion). שני מכשירים יוצאי דופן היו מעויינים (כלי נשיפה) שהיה מעוין שטוח שנקב בחורים, נמתח על חבל, וניגן על ידי סיבוב החבל. השני היה ה הידראוליס, איבר הלניסטי מתוחכם שהשתמש באוויר דחוס ולחץ מים המתוחזק על ידי שתי דוושות. אגב, כלי מיתר היו תמיד מנוגנים באצבעות או בקטקטרום ולא בקשת ובזמן הקלאסי, כלי מיתרים הועדפו על פני הרוח מכיוון שהם אפשרו לנגן לשיר גם, ולגבי היוונים, המילים נחשבו חשובות יותר מאשר צלילים מוזיקליים.

תורת המוסיקה

ישנן עדויות לכך שהיוונים החלו ללמוד את תורת המוזיקה כבר במאה ה -6 לפני הספירה. זה כלל לימודי הרמוניה, אקוסטית, סקלרית ומנגינה. הטקסט המוקדם ביותר ששרד (אך מקוטע) בנושא הוא אלמנטים הרמוניים מאת אריסטוקסנוס, שנכתב במאה הרביעית לפני הספירה. מוסיקה הפכה גם למרכיב של לימוד פילוסופי, בעיקר על ידי חסידי פיתגורס, שהאמינו שמוזיקה היא ביטוי מתמטי של הסדר הקוסמי. למוזיקה היו גם יתרונות טיפוליים מסוימים, אפילו סמכויות רפואיות על מחלות גופניות ונפשיות.

אוהב היסטוריה?

הירשם לניוזלטר המייל השבועי החינמי שלנו!

בנוסף, אחת התרומות הייחודיות שהיוונים תרמו להיסטוריה ולפיתוח המוזיקה היא שהיא יכולה להשפיע מוסרית ורגשית על המאזין ועל נשמתו; בקיצור, שלמוזיקה יש תפקיד אתי בחברה. מסיבה זו, אפלטון, בהתחשב בהם די דקדנטי, אסר על מכשירים המסוגלים לייצר את כל הסולמות. באופן דומה, מקצבים מסובכים מדי ומוזיקה בקצב מהיר מדי נחשבו למסוכנים מבחינה מוסרית ברפובליקה האידיאלית של הפילוסוף.

בנוגע למוזיקה כתובה, 52 קטעי מוזיקה יוונית שורדים, אם כי בצורה מקוטעת. למשל, קטע מוזיקלי מההצגה של אירופידס אורסטס שורד, וכך גם כתובת של מוסיקה מאוצר האתונה בדלפי. יצירת המוזיקה היוונית הושלמה ביותר היא שירו ​​של סייקילוס ממצבה מהמאה השנייה לפני הספירה שנמצאה בטראליס שליד אפסוס.

מוזיקאים

מוזיקאים יוונים היו לעתים קרובות המלחינים והלוחנים של המוסיקה שהם ביצעו. המכונה 'יוצרי שירים' או melopoioi, הם יצרו מלויים: הרכב מילים, ניגון וקצב. ישנן עדויות לכך שמוזיקאים נהנו ממעמד גבוה בחברה כפי שמעידים הגלימות המיוחדות והנוכחות שלהם ברשימות של אנשי בית המלוכה. היה אפילו סמל ספציפי לנגנים בתסריט ההירוגליפי של כרתים והנגנים הליניאריים ב 'המאוחרים יותר היו גברים, אם כי היוצא מן הכלל היו החצנים או הטיראי שהופיע ב סימפוזיונים. עם זאת, ישנם תיאורים באמנות של מוזיקאיות, בעיקר נגני הזירה הרוקדים מחמר מפליקאסטרו. מוזיקאים מקצועיים אחרים כללו את trieraules שקבעו את הקצב לחותרים בטרימות ונגני חצוצרות וזמרות מקהלות שליוו חיילים צועדים.

מוזיקה ודת

מוזיקה וריקודים ליוו תהלוכות באירועים דתיים מיוחדים בערים יווניות שונות, ובין המפורסמות בעולם היווני היו פסטיבלי פנתנאה ודוניסיה הגדולה של אתונה. מנהגים דתיים מסוימים בוצעו בדרך כלל למוזיקה, למשל, קורבנות ושפיכת חובות. פזמונים (פרבומיה) ותפילות (קטאצ'ים) שרו גם במהלך תהלוכות ובמזבח עצמו. אלה מסופקו על ידי קבוצות מקהלות של מוזיקאים מקצועיים, בעיקר aulos שחקנים, המחוברים לעתים קרובות למקומות קדושים מסוימים, למשל פאיאניסטים באתונה וב aoidoi ו epispondorchestai במקדש אסקלפיוס באפידאורוס.

רסיטל מוסיקה, מחול, שירה ודרמה היו גם פעילות תחרותית באירועים כגון הפסטיבלים הפאן-הלניים שנערכו באיסטמיה, דלפי ונמיה. אולם, כמו בתחרויות האתלטיקה, תחרויות המוזיקה היו בעלות אופי דתי בכך שהוצעה מצוינות לכבוד האלים. היו שני סוגים של תחרות מוזיקלית כזו: סטפניטים (קדוש עם זר סמלי כפרס) ו כרמטטים אוֹ thematikoi (עם פרסים מוחשיים יותר כגון כסף או סחורות יקרות). ספרטה, ארגוס ופארוס ערכו את התחרויות המוקדמות ביותר מהמאה השביעית לפני הספירה. בתקופה ההלניסטית הפסטיבלים והתחרויות המוזיקליות הפכו כל כך נפוצים עד שמוזיקאים ואמני הבמה החלו להתארגן בגילדות או קוינה.

מוזיקה וחינוך

אפלטון מודיע לנו כי בתי הספר הראשונים המוקדשים לחינוך מוזיקלי נוצרו על ידי הכרתים. עם זאת, תקופת השיא של המוסיקה בכיתה הייתה במהלך המאות ה -6 וה -5 לפני הספירה, כאשר הוקמו בתי ספר למוסיקה באתונה, שם נלמדו תלמידים בגילאי 13 עד 16 לנגן בזרם קיתארה ולשיר, בליווי המורה שלהם על aulos. מוזיקה לימדה משמעת וסדר ואיפשרה למשכילים להעריך טוב יותר ביצועים מוזיקליים. אתלטיקה ופעילויות ספורט אחרות, מרכיב מרכזי נוסף בחינוך היווני, נעשו גם בליווי מוזיקה, במיוחד על מנת להגביר את הסנכרון.

מוזיקה להנאה

מוזיקה הייתה מרכיב עיקרי של סִימפּוֹזִיוֹן או מסיבת שתייה לגברים. לאחר האוכל, כל הגברים שרו שיר (skolia) עם aulos, לירה, או ברביטון מתן מוזיקת ​​גיבוי. לעתים קרובות הם שרו שירים סאטיריים משעשעים (סילוי). לבסוף, בסוף הערב, היה נפוץ שהקבוצה יוצאת לרחובות כ- קומוס (להקת חוגגים) ולשיר ולרקוד בדרכם בעיר.

גם נשים יכלו ליהנות ממוזיקה בפרטיות בתיהן. בדרך כלל נשים ניגנו בכלי מיתר וקריאו שירה למוזיקה. בנוסף, מטלות בית כגון אריגה ואפייה נעשו על פי מוזיקה. גם ילדים שרו שירים (אגרמוס) בדלתות אנשים כדי לקבל מזונות קטנים וממתקים בדיוק כמו שעושים זמרי הזמרה היום.

בתיאטרון, הופעות הטרגדיה היוונית, הקומדיה והדרמה ליוו כולן מוזיקה, והשירה ניתנה על ידי מקהלה ייעודית שהורכבה מ -24 זמרים בהופעות תיאטרון יווניות מהמאה החמישית לפני הספירה.

מוזיקה באמנות

מוזיקאים וכלי נגינה היו נושא פופולרי על ציורי קיר, פיסול ועל כלי חרס יווניים, במיוחד בסגנונות הגיאומטריים, הדמויות השחורות והאדומות. מלבד כל הדמויות המרכזיות במיתולוגיה היוונית שהוזכרו לעיל, תוספת בולטת לנושא המוסיקה על כלי חרס יווניים היא הגדולה ביותר מבין הגיבורים הרקולס. כלי חרס מאוחרים וראשונים בעליית הגג המוקדמת מתארים לעתים קרובות את הגיבור עם קיתארה, ואולי זה מסמל את הקשר בין פעילות גופנית למוזיקלית הדרושים לחינוך מאוזן כראוי. גיבורים גדולים אחרים כמו אכילס, תזאוס ופריס מוצגים לעתים גם כשהם מנגנים בכלי נגינה (בדרך כלל לילה), ומחזקים שוב את המטרות הכפולות של חינוך אריסטוקרטי ומידת המוסיקה. כמו כן, סצנות בית ספר רבות בכלי חרס מהמאה ה -5 לפנה"ס מתארות תלמידים עם ליר וגם גליל ספרים, וממחישים שוב את חשיבות המוזיקה בחינוך. סוף כל סוף, לקיתוי, צנצנות דקיקות לאחיזת בשמים, נמצאות בדרך כלל בהקשרים קשים ולרוב יש להן מוזיקה כנושא העיטור שלהן, אולי בניסיון להבטיח כי המנוחה לוותה במוזיקה במסעה לחיים הבאים.


מיוון העתיקה ועד גלסטונברי: היסטוריה קצרה של פסטיבלי מוזיקה

בעוד מיליוני בריטים צובעים את פניהם ועוטים את הוולינגטונים שלהם לגלסטונברי 2019, ג'וליאן האמפריס מסתכל על ההיסטוריה של פסטיבלי מוזיקה בעבר ובהווה.

התחרות הזו סגורה כעת

פורסם: 24 ביוני, 2019 בשעה 13:00

מתי נערכו לראשונה פסטיבלי מוזיקה?

הרבה לפני המצאת הגיטרה החשמלית! פסטיבל המוזיקה הראשון הידוע היה המשחקים הפיתים, מבשר האולימפיאדה, שנערך מסוף המאה השישית לפני הספירה במקדש אפולו בדלפי. חגיגה כללית של כל הדברים היפים, היא כללה יום של תחרויות מוזיקליות.

האם לאיסטדפודאו הוולשית יש היסטוריה ארוכה?

החגיגות השנתיות של השירה, המוסיקה וההופעה הוולשית יכולות להתחקות אחר ההיסטוריה שלהן לתחרות ברדית שערך לורד רייס בטירת קרדיגן בשנת 1176. לאחר שתי מאות שנים בהתרגשות הן קמו לתחייה בסוף המאה ה -18, בעיקר על ידי הגווינדיגיון, חברה של גולים וולשים בלונדון. הם קיבלו דחיפה נוספת באמצע המאה ה -19 כתגובה ל"ספרים הכחולים "-דיווחים ממשלתיים שנויים במחלוקת על ביקורת על מצב החינוך והתרבות בוויילס.

בן כמה פסטיבל שלוש המקהלות?

הפסטיבל, הממוקם סביב מקהלות קתדרלות הרפורד, גלוסטר וורסטר, ומזוהה באופן הדוק עם הקריירה של מלחינים כמו אלגר ווהן-וויליאמס, טוען שהוא הפסטיבל המוזיקלי הקלאסי הוותיק ביותר בעולם וחוגג את יום הולדתו ה -300 שָׁנָה.

היכן היה פסטיבל הרוק המודרני הגדול הראשון?

פסטיבל הפופ של מונטריי בקליפורניה ביוני 1967 זוכה לעתים קרובות להבחנה הזו, אך למעשה שבוע לפני מעללי שריפת הגיטרות של ג'ימי הנדריקס במונטריי, התקיים באירוע דומה אם קטן יותר, פסטיבל יריד הפנטזיה ופסטיבל המוסיקה ההר הקסום, בהר טמאלפייס, גם כן בקליפורניה.

יריד המוזיקה והאומנויות וודסטוק התקיים שנתיים לאחר מכן, באוגוסט 1969. הוא לא התקיים בפועל בוודסטוק. בעיות במציאת מקום מתאים חייבו את המארגנים לאתר אותו במרחק של יותר מ -40 קילומטרים משם, ליד העיירה בית אל.

מתי התקיים לראשונה פסטיבל גלסטונברי?

ב -19 בספטמבר 1970, יום לאחר מותו של ג'ימי הנדריקס. המשחקים כללו את מארק בולן, סטאקרידג 'ואל סטיוארט. הם שיחקו לפני קהל של כ -1,500 ומחיר הכניסה כלל חלב חינם מחוות המארגן.

מאמר זה פורסם לראשונה בגיליון אוגוסט 2015 של BBC History Magazine


מוזיקה יוונית

המוזיקה של יוון העתיקה הייתה בלתי נפרדת משירה ומחול. זה היה מונודי לחלוטין, ואין הרמוניה כפי שהמושג מובן בדרך כלל. המוזיקה המוקדמת ביותר אינה ידועה כמעט, אך בעידן ההומרי הייתה קיימת תרבות מוזיקלית לאומית שנתפסה בעיני הדורות הבאים כ"תור זהב ". הכלי העיקרי היה ה פורמינקס, שירה נהגה ללוות זמרים משוררים שהלחינו מנגינות nomoi, משפטים מסורתיים קצרים שחזרו על עצמם. המוזיקאי המוכר ביותר היה טרפנדר טרפנדר
, fl. c.675 לפנה"ס, מוזיקאי לסבוס, ממייסדי המוזיקה הקלאסית היוונית המוקדמת. על רקע ראיות ספקות מסוימות, לזכותו של טרפנדר הוא סיים את האוקטבה והוסיף את המחרוזת השישית והשביעית לקיטהרה.
. לחץ על הקישור למידע נוסף. של לסבוס (המאה השביעית לפני הספירה). האמנות הלירית של ארצ'ילוכוס ארצ'ילוכוס
, fl. כ -700 או כ -650 לפנה"ס, משורר יווני, ב. פארוס. כמחדש בשימוש ובבניית הליריקה האישית, שפתו הייתה אינטנסיבית ולעתים קרובות אלימה. שברים רבים מפסוקו שורדים. בִּיבּלִיוֹגְרָפִיָה

ראה H. D. Rankin, ארצ'ילוכוס מפארוס (1978).
. לחץ על הקישור למידע נוסף. , סאפו סאפו
, fl. תחילת המאה השישית. לפני הספירה, הגדול מבין משוררי הליריקה היוונית הקדומה (אפלטון מכנה אותה "המוזה העשירית"), ב. מיטילן על לסבוס. העובדות על חייה מועטות. היא הייתה אריסטוקרט, שכתבה שירה למעגל החברים שלה, בעיקר אך לא אך ורק נשים, וכדומה
. לחץ על הקישור למידע נוסף. , ואנאקרון אנקריון
, c.570 –c.485 לפנה"ס, משורר לירי יווני, ב. טיוס ביוניה. הוא התגורר בסאמוס ובאתונה, שם היה פטרונו היפרכוס. שירתו, חיננית ואלגנטית, חוגגת את שמחות היין והאהבה. מעט מפסוקו שורד.
. לחץ על הקישור למידע נוסף. היה גם מוזיקלי באופיו.

במאה השישית. לפני הספירה, מוסיקה מקהלה שימשה בדרמה, שלשמה פינדאר פינדאר
, 518? –c.438 לפנה"ס, משורר יווני, הנחשב בדרך כלל כמשורר הלירי היווני הגדול ביותר. בואוטי מלידה אצילה, חי בעיקר בתבס. הוא טייל רחוק, שהה זמן מה באתונה ובסיציליה בחצר היירו הראשון בסירקיוז וגם באקרגאס.
. לחץ על הקישור למידע נוסף. פיתח את האודה הקלאסית שיר הלל,
שיר לירי משוכלל ומפואר באורך כלשהו. האוד מתוארך לשירי המקהלה היוונית שנשרו ורקדו באירועים ציבוריים וחגיגות. אודות פינדאר היווניות, שעוצבו על פי אודות המקהלה של הדרמה היוונית, היו שירי הלל או האדרה.
. לחץ על הקישור למידע נוסף. . המכשירים העיקריים בתקופה זו היו אולוס, סוג של אבוב הקשור לפולחן של דיוניסוס, והקיתרה קיתארה
אוֹ סיתרה
, כלי נגינה של היוונים הקדמונים. זה היה כלי נקטף, צורה גדולה וחזקה יותר של הקרן, המשמשת מוזיקאים מקצועיים הן לנגינת סולו והן לליווי שירה ושיר.
. לחץ על הקישור למידע נוסף. , סוג של לירה הקשור לאפולו ומוגבל לשימוש דתי והימני. סגנון ההרכב הקלאסי הזה התפורר ברבע האחרון של המאה החמישית. לִפנֵי הַסְפִירָה

לאחר נפילת אתונה בשנת 404 לפני הספירה, התקיימה תגובה אנטי-אינטלקטואלית נגד האמנות הקלאסית, ובסביבות שנת 320 לפני הספירה. זה כמעט נשכח. הסגנון החדש, שהביא לעליית מוזיקאים מקצועיים, התאפיין בביטוי סובייקטיבי, צורות חופשיות, מנגינה ומקצבים משוכללים יותר וכרומטיות. הדמויות המוזיקליות העיקריות היו פריניס ממיטלן (כ -450 לפנה"ס), תלמידו טימותאוס טימותיוס
, c.450 –c.357 לפנה"ס, משורר ומוזיקאי יווני של מילטוס. מחדש במוזיקה, הוא הוסיף מחרוזת לקיטהרה. נותרו שברי דיתרמות והנומים שלו. אוריפידס כתב את הפרולוג שלו פרסאי, שם לירי.
. לחץ על הקישור למידע נוסף. של מילטוס, והמחזאי אוריפידס אוריפידס
, 480 או 485 � לפנה"ס, דרמטיקאי טרגי יווני, מדורג עם אייסכילוס וסופוקלס. יליד אטיקה, הוא חי באתונה רוב חייו, למרות שבילה הרבה זמן בסלאמיס. הוא מת במקדון, בחצרו של המלך ארצ'לאוס.
. לחץ על הקישור למידע נוסף. . לבסוף, המוזיקה היוונית העתיקה איבדה את חיוניותה והתמעטה עד חסרת חשיבות תחת השליטה הרומית.

היו שתי מערכות של סימון מוזיקלי סימון מוזיקלי,
סמלים המשמשים לרישום כתוב של צלילים מוזיקליים.

שתי מערכות אותיות שונות שימשו לכתיבת המוסיקה האינסטרומנטלית והקולית של יוון העתיקה. בחמשת ספרי הלימוד שלו על תורת המוסיקה בוטיוס (c.A.D. 470 –A.D.
. לחץ על הקישור למידע נוסף. , שירה וכלי נגינה, שניהם, אם כי עדיין בעייתיים. הם ניתנים לפענוח בעיקר בגלל מבוא למוסיקה נכתב על ידי אליפיוס אליפיוס
אוֹ אליפוס
, fl. c.360, מחבר יווני של מבוא למוסיקה, המקור העיקרי לידע המודרני של הסימון המוזיקלי היווני.
. לחץ על הקישור למידע נוסף. (c.A.D. 360). למרות מיקומה הבולט של המוזיקה בחיי התרבות של יוון העתיקה, קיימים רק 15 שברים מוזיקליים, כולם מתוארכים לתקופה הפוסט -קלאסית. בתחילת ההיסטוריה שלה, המוזיקה היוונית נהנתה מהתגלית, המיוחסת בדרך כלל לפיתגורס פיתגורס
, c.582 –c.507 לפנה"ס, פילוסוף יווני טרום-סוקרטי, מייסד בית הספר הפיתגוראי. הוא היגר מסמוס מולדתו לקרוטונה והקים חברה או סדר דתי סודי הדומה, וייתכן שהושפע מכך, מהכת הפורבית הקדומה.
. לחץ על הקישור למידע נוסף. של סאמוס, של היחסים המספריים של צלילים לחטיבות של מחרוזת מתוחה. המזג טֶמפֶּרָמֶנט,
במוזיקה, שינוי של מרווחים מסוימים מערכיהם הנכונים האקוסטית כדי לספק מערכת כוונון לפיה מוזיקה יכולה לעבור ממפתח למפתח ללא סונוריות בלתי טהורות.
. לחץ על הקישור למידע נוסף. , או כוונון פיתגורס, הנגזר מסדרת יחסים זו היה חשוב לאורך ההיסטוריה המוזיקלית העוקבת.

מוזיקה יוונית מודרנית

המוסיקה היוונית הייתה רדומה במשך כמעט אלפיים שנה, ובמהלך המאה ה -19 עברה לידה מחודשת מוזיקלית. עם יצירותיהם של מלחיני האופרה ניקולאוס מנצרוס (1795 �), ספירידיון שינדאס (1812 󈟌) וספירוס סמאראס (1861 �). אלמנטים של לאומיות שכיחים בשירים העממיים של ג'ורג 'למבט (1875 �) ומאנוס הדג'ידאקיס (1925 󈟊). הוצג ביוון על ידי ניקוס סקלקוטאס (1904 󈞝), מוזיקה סדרתית מוזיקה סדרתית,
גוף הקומפוזיציות שההתייחסות התחבירית הבסיסית שלהן היא סדר מסוים (הנקרא סדרה או שורה) של שנים עשר כיתות המגרש & mdashC, C#, D, D#, E, F, F#, G, G#, A, A#, B & mdashthat מהווים את שווי המזג סוּלָם.
. לחץ על הקישור למידע נוסף. הולחן על ידי יורגוס סיציליאנוס ועל ידי יאניס קסנאקיס קסנאקיס, יאניס או יאניס
, 1922 �, מלחין יווני-צרפתי, נ. Br ăila, רומניה. קסנאקיס למד הנדסה אזרחית באתונה (1940 󈞛) והיה פעיל בהתנגדות האנטי-נאצית.
. לחץ על הקישור למידע נוסף. , שגם כותב מוזיקה אלקטרונית מוזיקה אלקטרונית
אוֹ מוזיקה אלקטרו אקוסטית,
מונח לקומפוזיציות המנצלות את היכולות של מדיה אלקטרונית ליצירת ושינוי צלילים.

בתחילה יש להבחין בין הפיתוח הטכנולוגי של מכשירים אלקטרוניים לבין
. לחץ על הקישור למידע נוסף. . בסוף המאה ה -20. המלחין הפופולרי ביותר ביוון היה כנראה מיקיס תאודורקיס (1925 –), שהתנגדותו לשלטון הצבאי בשנות ה -60 וה -70 עלתה לו במספר שנות מאסר וגרמה לאיסור אופרות שלו, יצירות סימפוניות, ציוני סרטים (בעיקר עבור זורבה היווני), ומאות שירים.

בִּיבּלִיוֹגְרָפִיָה

ראה ג 'זאקס, עלייתה של המוזיקה בעולם העתיק (1943) א.א. ליפמן, מחשבה מוזיקלית ביוון העתיקה (1964).


מוזיקה יוונית עתיקה - היסטוריה

מוסיקה בעולם היווני והרומי

מלפני תקופת הומרוס, המוזיקה הייתה חלק בלתי נפרד מהתרבות היוונית. פסטיבלים, טקסים, מסיבות, עבודה, משחקים, תיאטרון ומלחמה לוו כל מוזיקה. הספרות היוונית הרימה את המוסיקה והייתה קשורה אליה: חלק ניכר מהשירה והדרמה היוונית הידועה כיום שרו במקור או בליווי מוזיקלי. מוזיקאים מקצועיים היו חברים מוערכים בחברה שגופם נשפט בתחרויות ציבוריות. בנוסף, החינוך המוזיקלי היה חלק חשוב באימון האליטות, והישגים חובבים במוזיקה נחשבו כסימן לתרבות וטעם. מוזיקה יוונית הייתה ידועה בכל רחבי העולם הים תיכוני, שהשפיעה והושפעה ממסורות מוזיקליות אחרות בהן היא נתקלה.

לעומת זאת, ברפובליקה הרומית המוסיקה לא זכתה להערכה כה רבה. מוזיקה לא נחשבה לחלק מהחינוך החיוני של האליטות וביצוע חובבני של מוסיקה לא עודד מוזיקאים מקצועיים התקיימו בהתייחסות נמוכה. מצב זה השתנה בהדרגה, בעיקר בשל השפעות המוסיקה היוונית: בתקופה הקיסרית המוזיקה הפכה מכובדת יותר בהקשרים מקצועיים וחובבניים. למרות שעדיין הוזעקו על ידי כמה מחברים רומאים כסימנים לדקדנס, הופעות מוזיקליות היו מוזיקאים נפוצים ומיומנים בעלי ערך רב. למוזיקה הייתה חשיבות רבה בהקשרים דתיים מסוימים ברחבי העולם הרומי.

חיבורים תיאורטיים על מוסיקה ביוונית משמרים חלק ניכר ממערכת המורכבים של מצבים וסולמות שהיו בשימוש תוך התייחסות גם לסוגיות כמו ההשפעה המוסרית והאתית של המוסיקה על החברה. יתר על כן, מערכות הסימון המוזיקלי היווניות אפשרו הקלטה של ​​מוזיקה עתיקה-כחמישים או יותר יצירות ידועות ממקורות כאלה (מקוטעים ביותר).

הכלים העומדים לרשות מוסיקאים יוונים ורומאים כיסו מגוון רחב. כלי המיתרים כללו נבלים, קנים, קיתרה וברביטוי הלוטה הגיעה מאוחר יותר (אולי ממצרים או מהמזרח הקרוב). מבין כלי הנשיפה, האולוס-חליל קנה המנוגן לעתים קרובות בזוגות-היה השכיח ביותר, בעוד שחלילים ושריקות קנים אחרים וקנים אחרים היו ידועים. הצנרת הייתה אוסף של צינורות באורך יורד המחוברים יחד, נפוצים מאוד בהקשרים מסוימים. קרניים וחצוצרות מסוגים שונים ידועים, המשמשים לעתים קרובות לציד ובהקשרים צבאיים. כלי ההקשה כללו תופים, טמבורינים, מצלתיים וקסטנטיות. רוב המוזיקה שעבורה ניצלנו הסימון הייתה קולית, ושירה הייתה כנראה הצורה הנפוצה ביותר של פעילות מוזיקלית.

שלושת התמונות הן מתוך: סרקופג עם ניצחון באצ'י ורבל
שיש לבן
התקופה הרומית (המאה השנייה לספירה)
קמ 81.3.1
הערה: אובייקט זה מוצג במוזיאון קלסי היווני, הרומי והאטרוסקאי


ההיסטוריה של המוזיקה והתרפיה באמנות

ביוון העתיקה, האמינו כי למוזיקה יש מערכת יחסים מתמטית עם הקוסמוס (הארווי, 1980). הפילוסופים היוונים הקדמונים חשבו שמוזיקה יכולה לשרת מטרה טיפולית. מטופלים במצבים מאניים הונחו לעתים קרובות להאזין למוסיקה המרגיעה של החליל, בעוד שלסובלים מדיכאון נקבעו האזנה למוזיקת ​​דולצימר (Dobrzynska, et. Al, 2006). היכלות ריפוי ביוון העתיקה שכנו מומחי מזמורים וכן רופאים. מגפה אירעה בספרטה בסביבות 600 לפני הספירה, ונאמר שהיא נרפאה על ידי המוזיקה של תאלס (גלפלר, 2002). מעניין שהיוונים השתמשו במוזיקה כטיפול הראשון אי פעם להנגאובר מאלכוהול (הארווי, 1980).

פיתגורס האמין כי גם הגוף וגם הנשמה יכולים להיות מושפעים ממוזיקה באמצעות יישום החוק והסדר (Dobrzynska, et. Al, 2006).

כתביו של אפלטון על פיתוח מוזיקת ​​התייחסות אישיות כגורם חשוב (Dobrzynska, et. Al., 2006). הוא ראה במוזיקה "תרופת הנפש" (גלפלר, 2002). תיאוריית "ההתכתבות" של אפלטון קבעה זאת מוסיקה שגרתית התכתב עם מוסיקה הומנה. במילים אחרות, ל"הרמוניה שמימית של מוזיקת ​​הכדורים "יכולה להיות השפעה חיובית (או שלילית) על" נשמות ארציות ". כשם שהמוזיקה עוברת הרמוניה מחדש, גוף האדם והמין האנושי עוברים איזון מחדש, ובדרך זו למוזיקה יש ערך טיפולי (Ansdell, 2004). באשר לתורת האתוס היוונית, אמר אפלטון, "מוזיקה היא אמנות חדורה בכוח לחדור לעומק הנפש" (הארווי, 1980).

אריסטו האמין שלמוזיקה יש השפעות קתרטיות ויכולה לספק הקלה מרגשות שליליים באמצעות קתרזיס (Dobrzynska, et. Al, 2006). אריסטו האמין שיצירת סביבה אידיאלית תעזור להשיג רווחה נפשית ופיזית מיטבית. התיאוריה שלו מזכירה במפורש ששיר, יין ונשים הם שלושת המרכיבים הנחוצים ליצירת סביבה אופטימלית לגבר (Ansdell, 2004).


אזכורים מקראיים

שאול המלך טופל במוזיקה במסגרת טיפולית. תסמיני הדיכאון שלו הוקלו על ידי נגינת הנבל של דיוויד (Dobrzynska, et. Al, 2006).

14 עתה עזבה רוחו של האדון את שאול, ואת הרע[א]רוח מן

דוד משחק אצל שאול המלך

15 המלווים של שאול אמרו לו: "ראה, רוח רעה מאלוהים מייסרת אותך. 16 תנו לאדונינו לפקד על משרתיו כאן לחפש מישהו שיכול לנגן את הקול. הוא ישחק כאשר הרוח הרעה מאלוהים תבוא עליך, ותרגיש טוב יותר. "

17 אז שאול אמר למלווים שלו: "מצא מישהו שמשחק טוב והביא אותו אלי."

18 אחד המשרתים ענה, "ראיתי בן של ג'סי מבית לחם שיודע לנגן על הקול. הוא איש אמיץ ולוחם. הוא מדבר טוב והוא גבר בעל מראה יפה. וה 'איתו. "

19 ואז שאול שלח שליחים לג'סי ואמר: "שלח לי את בנך דוד, שנמצא עם הכבשים." 20 אז ג'סי לקח חמור עמוס לחם, עור יין ועיר צעירה ושלח אותם עם בנו דוד לשאול.

21 דוד הגיע אל שאול ונכנס לשירותו. שאול אהב אותו מאוד, ודוד הפך לאחד מחזיקי השריון שלו. 22 ואז שאול שלח את הודעתו לג'סי ואמר: "אפשר לדוד להישאר בשירותי, כי אני מרוצה ממנו."

23 בכל פעם שרוח אלוהים באה על שאול, דוד היה לוקח את זירתו ומשחק. ואז תבוא הקלה אל שאול הוא ירגיש טוב יותר, והרוח הרעה תעזוב אותו.

(שמואל, טז: 14-23)


תרבויות פרימיטיביות ואינדיאניות

בתרבויות פרימיטיביות רבות, המוסיקה נחשבה לחלק חשוב בחיי היומיום. כל פעילות שדרשה עזרה מהאלים השתמשה בשירים ספציפיים שהאמינו כי הם מחברים את העולם על פני כדור הארץ עם הטבע הטבעי (גלפלר, 2002). כמה תרבויות, כולל המסורת האינדיאנית, האמינו שלמוזיקה יש כוחות מיסטיים. מוסיקה שימשה בטקסי ריפוי, לעתים קרובות בצורה של שירה וזמרה עם כלי הקשה. רבות ממסורות הריפוי המוזיקליות הללו ממשיכות להיות חלק מחיי האינדיאנים כיום (Dobrzynska, et. Al., 2006). הלשכה ההודית של ארצות הברית מכילה 1,500 שירים המשמשים למטרות ריפוי של האינדיאנים (הארווי, 1980).

בחברות רבות שנכתבו על ידה הייתה דמות נחשבת מאוד המכונה "שאמאן", או איש רפואה. לשמאן האמינו שיש את היכולת לשלב קסם ומוזיקה כדי לרפא את הפצועים, לרפא חולים ולהדוף את הרוע. הטקסים כללו שירת שירים ושימוש בכלי הקשה כמו תופים (Gfeller, 2002). בהודו האמין שאמן כי לצמחי המרפא שלהם אין כוחות ריפוי ללא תוספת מוסיקה (הארווי, 1980).


ימי הביניים

במהלך ימי הביניים, רבים מהרעיונות של הפילוסופים היוונים נדחו, כולל אלה הנוגעים לערך הטיפולי של המוסיקה. עם זאת, אמונותיהם של מנהיגים דתיים סייעו למוזיקה לשמור על חלק מכוחה במוחו של הציבור. למשל, סנט בזיליקום חשב על מוזיקה כמרכיב חשוב בתרגול קדוש, בעל כוחו להשפיע על רגשות ולהביא את המתפללים למצבי הוויה דתיים גבוהים. בוטיוס האמין שלמוזיקה יש כוח לשפר את המוסר של בני האדם. בעוד שמעטים הדמויות במהלך ימי הביניים התמקדו בכוחות המוסיקה במובן לא דתי, קאסיודורוס הכיר בערך הקתרטי של האזנה למוסיקה (גלפלר, 2002). בתקופה זו, רוב האנשים ראו בהפרעות פסיכיאטריות כתוצאה מעונשו של אלוהים על חטאים. אולם במדינות ערב היו השקפות שונות על מחלות פסיכיאטריות, וראו בהן יותר מתנה מאלוהים. המחלקות הפסיכיאטריות הראשונות נוסדו באזורים ערביים. בקונסטנטינופול בסביבות 1560, אנשים עם הפרעות פסיכיאטריות אושפזו בבתי חולים פסיכיאטריים וטופלו במוזיקה (Dobrzynska et al., 2006). זה נכון גם לגבי בתי חולים פסיכיאטריים מימי הביניים באזור הח'ליפות (Ansdell, 2004).


"מאניה רוקדת" וטראנטיזם

בשנת 1374 אירעה מגפה בגרמניה בה סבלו הרקודים ללא שליטה עד שהתעלפו עקב תשישות. אלפים מתו כתוצאה מ"מאניה הרוקדת "הזו, והתפרצויות לאחר מכן התרחשו ברחבי אירופה בין המאות הארבע עשרה לשבע עשרה. הדרך היחידה הידועה לעצור את המאניה הייתה הצגה של מוזיקאי לרקדנית הסובלת (הארווי, 1980).

בסביבות המאה השלוש עשרה האמינו שנשיכת טרנטולה גורמת למחלה הנקראת טרנטיזם. הוא חשב כי ניתן לרפא את המחלה רק באמצעות פתרון מוזיקלי שעזר להפריד את הארס מדמו של האדם. זה כלל האזנה למוסיקה וריקוד הארנטלה (אנסדל, 2004).

נשים איטלקיות רוקדות את הטראנטלה

למרות שסביר שסובלים מאניה ריקודים וטראנטיזם היו רק קורבנות של מחלות מפוברקות חברתית, עדיין מעניין לציין כי התרופות שנתפסו למפגעים אלה כללו מוזיקה.



הרנסנס

Music continued to be used to treat depression and mania during the Renaissance, but it’s uses expanded as well. Italian composer and music theorist Zarlino believed that musical harmony had healing abilities. He described many effects of music that can be seen as therapeutic or curative. Zarlnio said that music could be used to treat pain relief, depression, mania, and the plague. He also thought that music had the ability to restore hearing. (Dobrzynska, et. Al., 2006).

Ansdell, G. (2004). Book review: Music as medicine- The history of music therapy since antiquity. Psychology of Music, 32, 440-444.

Dobrztnska, E., Cesarz, H., Rymaszewska, A. K. (2006). Music therapy- history, definitions and application. Archives of Psychiatry and Psychotherapy, 8 (1), 47-52.

Gfeller, K. E. (2002). Music as a therapeutic agent: Historical and sociocultural perspectives. Music therapy in the treatmet of adults with mental disorders theoretical bases and clinical interventions, 60-67.

Harvey, A. W. (1980). The therapeutic role of music in special education Historical perspectives. The Creative Child and Adult Quarterly, 5 (3), 196-204.


History of Greece: Introduction

The ancient Classical and Hellenistic eras of Greece are undoubtedly the most splendid, having left behind a host of ideas, concepts, and art to provide the foundation of what we call &ldquowestern civilization&rdquo. However, the two previous millennia that lead to these ancient eras, as well as the other two millennia that succeeded them are all part of the history of Greece and have left just as rich a cultural footprint on the land.

Much of the ancient Greek civilization has survived either directly or through permutations to our day. The ancient Greek dialects are influential even to this day with much Greek vocabulary embedded in the Modern Greek and English languages. Likewise, the art and architecture of ancient Greece has remained relevant and influential up to our time in the breadth of western society. The much-celebrated Renaissance was guided in large part by the re-discovery of the ancient Greek ideas through text and art, which were hitherto suppressed by the belief in the absolute authority of the supernatural power and the church.

It should be noted that History is a discipline that was conceived first in Ancient Greece. Herodotus (484 &ndash 425 BCE) is considered the Father of History, as he was the first who attempted to record events and human actions for the sole purpose of preserving them for future generations. The very first lines of his Histories read: &ldquoHerodotus of Halicarnassus here displays his inquiry, so that human achievements may not become forgotten in time, and great and marvelous deeds &ndash some displayed by Greeks, some by barbarians &ndash may not be without their glory&rdquo (Herodotus, 3). Being the first to attempt such a feat, Herodotus was not spared from harsh criticism for including in his Histories (written between 431 and 435 BCE), myths, legends, and outrageous tales.

&ldquoI have written my work, not as an essay which is to win the applause of the moment, but as a possession for all time.&rdquo (Thucydides, 16)

Not much later than Herodotus, Thucydides (460 &ndash 395 BCE) with his History of the Peloponnesian War, put his own stamp on the discipline of History by attempting to present history in an &ldquoobjective&rdquo way, and to make correlations between human actions and events. Their approach and methods of recording historical events became the guiding light for historians of the next two thousand years.

This brief history of Greece is compiled here as an introduction to web readers and to provide the historical background that&rsquos needed to appreciate all the subjects of Ancient Greek culture. It was no easy task to compress the history of Ancient Greece into a concise format that would be appropriate both for online reading and as a precise overview of the subject. Suffice to say that each sentence of this essay has been the subject of countless volumes of discourse throughout history. Further reading can be found in the bibliography. -- 6/2007


Greek music: Ancient Greek Music

The music of ancient Greece was inseparable from poetry and dancing. It was entirely monodic, there being no harmony as the term is commonly understood. The earliest music is virtually unknown, but in the Homeric era a national musical culture existed that was looked upon by later generations as a golden age. The chief instrument was the phorminx, a lyre used to accompany poet-singers who composed melodies from nomoi, short traditional phrases that were repeated. The earliest known musician was Terpander of Lesbos (7th cent. BC). The lyric art of Archilochus, Sappho, and Anacreon was also musical in nature.

In the 6th cent. BC, choral music was used in the drama, for which Pindar developed the classical ode. The main instruments at this time were the aulos, a type of oboe associated with the cult of Dionysus, and the kithara, a type of lyre associated with Apollo and restricted to religious and hymnic use. This classical style of composition decayed in the last quarter of the 5th cent. לִפנֵי הַסְפִירָה

After the fall of Athens in 404 BC, an anti-intellectual reaction took place against the classical art, and by about 320 BC it was almost forgotten. The new style, which resulted in the rise of professional musicians, was marked by subjective expression, free forms, more elaborate melody and rhythms, and chromaticism. The chief musical figures were Phrynis of Mitylene (c.450 BC), his pupil Timotheus of Miletus, and the dramatist Euripides. Finally, ancient Greek music lost its vitality and dwindled to insignificance under the Roman domination.

There were two systems of musical notation, a vocal and an instrumental, both of which are, though still problematic. They are decipherable largely because of the Introduction to Music written by Alypius (c.AD 360). In spite of the prominent position of music in the cultural life of ancient Greece, only 15 musical fragments are extant, all which date from the postclassical period. Early in its history, Greek music benefited from the discovery, usually attributed to Pythagoras of Samos, of the numerical relations of tones to divisions of a stretched string. The temperament, or Pythagorean tuning, derived from this series of ratios has been important throughout subsequent music history.

The Columbia Electronic Encyclopedia, 6th ed. Copyright © 2012, Columbia University Press. כל הזכויות שמורות.


Ancient Greek modes

The modes of Greek antiquity were placed by theorists in orderly fashion within a larger context. Although the modes were a series of seven-note diatonic scales (i.e., containing five whole tones and two semitones), the nucleus of the tone system was the tetrachord—a group of four consecutive notes (as, from C to F on the piano) comprising the interval of a fourth. Except in late antiquity, the notes were always arranged in a descending order, the basic tetrachord consisting of two whole tones and one semitone: E–D–C–B. Two such tetrachords, separated from one another by a whole tone, formed the so-called Greek Dorian mode: E–D–C–B A–G–F–E. The Dorian mode was taken as a basis for the construction of the larger system. Its single-octave range was extended by the addition of a third tetrachord, A–G–F–E, on top and of a fourth tetrachord, E–D–C–B, at the bottom. In contrast to the two inner tetrachords, which were separated by a whole tone, each outer tetrachord was linked with the neighbouring inner one by a shared note:

A G F E D C B A G F E D C B.

Because the combination of the four tetrachords yielded a range of two octaves minus one whole tone, a low A was added by theorists to achieve the following diatonic two-octave system: A G F E D C B A G F E D C B A. This two-octave row, or disdiapason, was called the Greater Perfect System. It was analyzed as consisting of seven overlapping scales, or octave species, called harmoniai, characterized by the different positions of their semitones. They were termed as follows (semitones shown by unspaced letters):

A G FE D CB A Hypodorian
G FE D CB A G Hypophrygian
FE D CB A G FHypolydian
E D CB A G FEDorian
D CB A G FE D Phrygian
CB A G FE D C Lydian
B A G FE D CB Mixolydian

Although the names of the harmoniai were identical with those of the Greek modes, the harmoniai were instead projections of the modal patterns into the more extensive Greater Perfect System. The modes proper were termed tonoi, their essence being their interval pattern. On the kithara or lyra (the two basic plucked stringed instruments of ancient Greece) the tonoi were produced either by the basic tuning or by the raising or lowering of one or more of the strings by a semitone.

Greek theory distinguished three different genera of tetrachords, producing an additional variety of modes. The previously described tetrachord (two descending whole tones plus one semitone) was called diatonic. There were also chromatic and enharmonic genera. The two tones bounding the tetrachord were fixed and always formed a perfect fourth the two inner tones were movable. The chromatic tetrachord consisted of a minor third (encompassing 1 1 /2 whole tones) plus two semitones, the enharmonic tetrachord of a major third (encompassing two whole tones) plus two approximate quarter tones:

Also prominent in Greek music was the concept of ethos, which ascribed certain ethical characteristics to the different modes. The Dorian mode was preferred because of its strong and virile character the Phrygian mode was ecstatic and emotional, the Lydian mode intimate and lascivious. בתוך ה רפובליקה Plato stressed the educational values of the Dorian mode and warned against the softening influence of the Lydian ode.

In early Greek antiquity a system of modal categories developed, referred to as nomoi (singular, nomos, “law”). ה nomoi represented modes in that they were characterized by distinctive melodic formulas suited to different song types. The performers were free to improvise within the boundaries of those modal formulas.


Ancient Greek Music - History

SUMMARY OF WESTERN CLASSICAL MUSIC HISTORY
by Marlon Feld

The following is an outline of the history of Western classical music. Although "Western" and "classical" are inexact terms, they do name a reasonably coherent musical tradition that stretches from the Dark Ages to the present day. The descriptive texts will not delve deeply into matters of musical meaning or technique the purpose of the outline is to give you a basic working familiarity with different periods and styles.

Medieval History (Plainchant through Machaut)

Western classical music history is traditionally understood as beginning with plainchant (also called "Gregorian" chant), the vocal religious practice of the Roman Catholic Church. Plainchant was transmitted by memory until the early 9th century, when the Holy Roman Emperor Charlemagne arranged for it to be notated, and for standardized plainchant books to be distributed to churches and monasteries across Europe. Limited in pitch range and monophonic (i.e., composed of a single melody with no accompaniment), plainchant was sung largely by monks, nuns, and clerics rather than by professional singers. Plainchant was sung in the Divine Offices, eight daily prayer services using Old Testament texts, and in the Mass, a midmorning celebration of the life and death of Jesus Christ. The Alleluia reproduced here was a chant of jubilation ("Alleluia" = "Hallelujah"), sung as part of the Mass.

The earliest major repertory of Western secular (non-religious) music which has come down to us is that of the troubadors and trouveres, French poet-musicians of the Middle Ages who set their own poems to music. The majority of the resulting songs were about love, often the fictionalized, abstracted "courtly love" of a male character for a noblewoman above his social level. Because troubador songs were notated as simple rows of pitches without rhythm, the rhythms and instrumental accompaniments of modern performances are based on conjecture images of troubadors in medieval manuscripts have offered hints as to what instruments were played. Bernart de Ventadorn (c. 1140- c. 1200) was one of the greatest of the troubadors. His "La douza votz," written in the now-extinct language Provencal, deals with the singer's rejection by the lady whom he has long served.

LISTEN: Bernart de Ventadorn, "La douza votz" (The sweet voice) (late 12th c.) [Text]

In the 10th and 11th centuries, composers began setting sacred texts polyphonically (i.e., with more than one melody at the same time). Leonin (c. 1135- c. 1200) wrote polyphonic settings of the texts sung on the most important occasions of the Christian year, such as Christmas and Easter. He did this by greatly slowing down an existing plainchant, and adding to it a new, more rapidly flowing musical line at a higher pitch. This technique was called organum the slowed-down plainchant was called the tenor. Some sections of Leonin's polyphony were sped up and rhythmicized later composers added the words of devotional poems to Leonin's notes. This example uses the Alleluia pascha nostrum plainchant as its tenor it was sung as part of Easter services at the spectacular Gothic cathedral Notre Dame of Paris.

LISTEN: Leonin, Organum: Alleluia pascha nostrum (late 12th c.) [Text]

Evidence suggests that the compositions of Perotin (active c. 1200), like those of Leonin, were sung at Notre Dame of Paris. Many of Perotin's organa (pl. organum) included two or, as in this example, three active musical lines above the tenor. Perotin slowed down the tenor to an incredible degree--in this example, it takes the tenor four minutes to sing the two words "Viderunt omnes"! Viderunt omnes is a gradual, a joyful text sung in response to a New Testament reading during Mass It was sung on Christmas Day.

LISTEN: Perotin, Organum: Viderunt omnes (c. 1200) [first 4:00] [Text]

In the 13th century, rhythmic passages of organum to which words had been added (such as the passage in the middle of the Leonin organum above) began to be treated as standalone musical works called motets (literally, "worded"). Soon, three-part motets appeared, with a different text sung in each voice. (Sometimes the texts were in different languages!) Composers came to use for tenors secular French songs as well as passages of plainchant. One such composer was Guillaume de Machaut (c. 1300-1377), who was not only a musician of great renown but also a poet whose stature approached that of Chaucer. The following motet is based on a secular tenor each of its three voices sings a different French love poem.

Renaissance History (Dufay through Praetorius)

The tradition of the motet continued into the 15th century. Guillaume Dufay (c. 1400-1474), the most renowned composer of his time, composed grand motets for ceremonial occasions in early Renaissance Italy. Nuper rosarum flores commemorates the dedication of the cathedral Santa Maria del Fiore in Florence in 1436. Dufay owed his rich sound to harmonic techniques brought from England by his contemporary John Dunstable.

The Renaissance's grandest, most highly valued works of vocal music were polyphonic settings of the Ordinary of the Mass. The Ordinary is composed of five texts--Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, and Agnus Dei (the first words of the texts)--that were included in every Mass, not only in Masses that celebrated special occasions. Each text was set as a separate movement. Often, each movement began with a similar melody, in which case the Mass was called "cyclic" when that melody was taken from plainchant or from a secular song, the Mass was called a "parody Mass" ("parody" meant in the sense of imitation, but not humorously). The most famous mass of Josquin des Pres (1440-1521) was that parodying the plainchant beginning with the text "Pangue lingua." By Josquin's time, the slow-moving tenors of the Medieval era had been replaced by lower voices that moved as quickly as the higher voices the vocal ranges specified for the various singers were equivalent to our soprano, alto, tenor, and bass.

LISTEN: Josquin, Missa Pangue Lingua, Gloria (c. 1510)

From about 1530 to 1600, the pre-eminent form of secular vocal music in Europe was the madrigal. The madrigal typically set a poem in Italian (later, often in English) with an intense emotional cast. The setting was usually for four or five voices with no instrumental accompaniment, although instruments were probably added in performance at times. Jacques Arcadelt (c. 1500-1568) was a Frenchman, but wrote madrigals in the Italian city of Florence. The most famous example of his work is Il bianco e dolce cigno.

LISTEN: Arcadelt, Il bianco e dolce cigno (The White and Gentle Swan) (1539) [Text]

Toward the end of the 16th century, madrigals became more tortuous harmonically and more aggressive in their use of musical devices to project the text's meaning and character. Luca Marenzio (1553-1599) was the most celebrated "madrigalist" of his day.

LISTEN: Marenzio, Solo e pensoso (Alone and Pensive) (1599) [Text]

The instrumental music of the Renaissance largely fell into two categories: transcriptions of vocal music, and dance music. Different dance styles corresponded to different underlying musical rhythms (as with today's Latin dance music). The German Michael Praetorius (1571?-1621) composed a large set of dances entitled "Terpsichore," after the Greek Muse of dance. A group of brief "voltes" is reproduced here the volte was a dance from Southwest France in which the woman leapt high in the air ("volte" = vault). Praetorius gave no indication of what instruments were to be used--his dances were played by whatever instruments were available. Here, the Early Music Consort of London switches between four different "consorts" of instruments, one per volte, before all four consorts play the end of the fourth volte together. A consort was a set of instruments similar in design and tone but varied in size and pitch.

LISTEN: Praetorius, Terpsichore, Voltes (1612)


Baroque History (Peri through J. S. Bach)

The Baroque era of Western classical music is usually defined as the period from 1600 to 1750. (These dates are, of course, rough the Renaissance dances of Praetorius were written in 1612.) Two stylistic tendencies that partially define the Baroque were an increased interest in the solo voice and a rise in the status of instruments and instrumental music.

The first of these tendencies was born in Florence, among a group of musicians and philosophers called the Florentine Camerata ("camerata" = chamber, as in a "chamber of commerce"). The members of the Camerata sought to create a form of stage music comparable in expressive power to ancient Greek tragedy. They disparaged the polyphonic madrigal, creating instead a new form--the opera--in which soloists sang against an instrumental background. The earliest opera that has entirely survived is L'Euridice, by the Camerata member Jacopo Peri (1561-1633). L'Euridice presents the legend of Orpheus and Eurydice, altered so that Orpheus successfully retrieves Eurydice from the underworld in a happy ending.

LISTEN: Peri, L'Euridice, "Nel pur ardor" forward (1601) [Text]

The showpiece of opera came to be the aria, a self-contained, melodious passage that revealed the mood or attitude of the character singing it. The arias in a given opera were separated by recitative, a faster-moving, more speechlike form of singing. Henry Purcell (1659-1695) wrote Dido and Aeneas to be performed by the students at a girls' school.

The tradition of religious polyphonic vocal music continued in the Baroque era. Martin Luther, the author of the Reformation, was also a musician in the 16th century, he collected hundreds of tunes to serve as devotional hymns for his new Protestant Church. In the 18th century, German composers created cantatas ("cantata"=sung), multi-movement works that elaborated on Luther's hymns. The cantatas of Johann Sebastian Bach (1685-1750) included both chorales and aria-like solos. The chorale "Wachet auf" is among Bach's most famous. Unlike the choral music of the Renaissance, "Wachet auf" included parts written for instruments.

LISTEN: J. S. Bach, "Wachet auf, ruft uns die Stimme" (Wake up, the voice calls us!) (1731) [Text]

The oratorio shared the cantata's form on a larger scale. While most (but not all) German cantatas were religious works written for the church, oratorios could be written on secular topics and performed in secular settings. ה מָשִׁיחַ, by George Friedrich Handel (1685-1759), was performed in concert halls, but treated a sacred subject: the life of Jesus Christ, with devotional passages interspersed. (Some complained at the time that such a religious work was out of place in the concert hall.) Here is the chorus "All we like sheep have gone astray"--allegorically astray from the righteousness of Jesus and the New Testament God.

In their new focus on instrumental music, Baroque musicians valued no instrument more highly than the violin. They believed the violin's tone to have expressive powers akin to those of the voice. Violins were the melodic leaders of the trio sonata ("sonata"=sounded), which despite its name made use of four instruments: two violins, a cello (a much lower string instrument), and a harpsichord (a keyboard instrument within which strings are plucked). (The cello played the same music as did the harpsichordist's left hand thus, there were really only three independent parts, hence "trio.") The trio sonata consisted of a few short movements, some fast, some slow. This movement by Domenico Gallo (active 18th c.) is fast, but not as fast as some.

LISTEN: Gallo, Trio Sonata #1, first movement (early 18th century)

The concerto called for a larger group of instruments than did the trio sonata. In the concerto. a soloist or small group of soloists contrasted with a larger ensemble. (But even the larger ensemble was typically far smaller and more homogenous than today's symphony orchestra.) Concertos often alternated between passages showing off the soloist's technical prowess and passages showing off the weight of the full ensemble. The most famous of Baroque violin concertos today are those collected in the Four Seasons of Antonio Vivaldi (1678-1741). Reproduced here is the final movement of "Autumn," a movement representing the hunt.

LISTEN: Vivaldi, Four Seasons, "Autumn," last movement (1725)

Keyboard instruments were also vehicles for virtuosic display. The toccata ("toccata"=touched, as in the keys) was a one-movement showcase of intricate melodic patterns and fast fingering. The name most closely associated with the toccata is that of Girolamo Frescobaldi (1583-1643).

The fugue combined the virtuosity of the toccata with a more consistent, structured approach. This approached consisted of the repetition of the same melody (the "subject") in a number of polyphonic "voices," which voices then continued, re-introducing the subject at fairly regular intervals. Pre-eminent among fugues are the 48 in J. S. Bach's collection The Well-Tempered Clavier. ("Well-tempered" meant tuned well "clavier" referred to any instrument with a keyboard, except a pipe organ.)

Classical History (Gluck through Beethoven)

With regard to Western music, the latter half of the 18th Century is often called the "Classical" period the music of this period is considered very different from that of the Baroque period. Yet the transition from Baroque to Classical was gradual. Three trends of the middle years of the 18th century were behind this transition.

The first trend was known as Reform Opera. A number of composers reacted against what they saw as the stilted conventions of Italian Baroque opera. They wanted to make Italian opera more natural, more directly expressive, with more focus on the dramatic narrative and less focus on providing solo singers with passages of elaborate, showy ornamentation. The most successful of these composers was Christoph Willibald Gluck (1714-1787). The topics of Reform opera were not new: Gluck's opera Orfeo ed Euridice retells the Orpheus legend, as did Monteverdi's famous Orfeo 150 years before. In the aria "Che fiero momento," Euridice sings of her trepidation at being led away by Orpheus from the calm of the underworld.

The second trend was a change in the style of solo keyboard music. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), a son of the (now) more famous J.S. Bach, preferred not the harpsichord but the clavichord and the fortepiano, instruments that could play louder or softer depending on the force with which their keys were struck. Bach's keyboard music uses this dynamic variability to appropriate some of the character of 18th-century Italian vocal music. Bach's slow movements, such as the one reproduced here, exemplified the empfindsam ("full of feeling") style, which was believed to express restrained passion and melancholy.

The third trend was the introduction of the symphony, a multi-movement work for orchestra. Early symphonies, such as those of Giovanni Battista Sammartini (1701-1775), were modeled on the overtures (introductory instrumental pieces) of Baroque Italian opera.

Over time, the symphony gained in prestige longer symphonies were written, for larger orchestras. (Yet the late 18th-century orchestra still numbered about 30 players, in contrast to the 70 or more players in modern orchestras.) Franz Joseph Haydn (1732-1809) wrote 104 symphonies during his long career many of these were written for the private orchestra of Prince Nicholas Esterhazy. The following symphony was written near the end of Haydn's career, for the popular audience in London.

Haydn also wrote many examples of the string quartet, another genre born in the late 18th century. "String quartet" names a certain combination of instruments--two violins, viola, cello--and also names any work written for this combination. Unlike the chamber music of the Baroque, the string quartet lacks a basso continuo. Haydn's string quartets typically included four movements, of which the last was often buoyant and rapid.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) toured Europe as a child prodigy upon reaching adulthood, he settled in Vienna. Although Vienna was in German-speaking territory, Viennese opera was dominated by Italian style, as was the opera of much of Europe. The Italian operas that Mozart wrote in Vienna were in the traditional Italian buffa (comic) style, yet they went beyond buffa comedy to engage social and moral issues. למרות ש דון ג'ובאני is normatively an opera buffa, the title character is not comedic Don Juan, as he is most often known to us, womanizes with a singular ferocity and a disregard for the social class of his victims. In the following excerpt, the Don's buffa servant Leporello reads from a book listing the Don's thousands of past romantic conquests.

The piano concerto movement reproduced here reflects both Mozart's orchestral style and his style of writing for the piano, an instrument quickly gaining in popularity at the expense of the harpsichord. The concerti of the Classical period were usually for single soloists, as opposed to groups of soloists as in concerti grossi the orchestra used was comparable to that used in the Classical symphony.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) studied with Haydn and other Classical composers as a young man he found commercial success in late 18th-century Vienna, as had Haydn and Mozart. Yet Beethoven was considered a proto-Romantic by his 19th-century successors. Beethoven's image as a scowling, disheveled eccentric is largely undeserved, but it is true that Beethoven fought deafness throughout much of his life, and that some of his music seemed awkward and violent to those who first heard it. The first movement of Beethoven's Symphony No. 5 is built on the sonata-form model, but its famous opening and its protracted coda (ending) were novel features.

Beethoven composed string quartets throughout his life. Those written near the end of his life, such as the one reproduced here, grew farther and farther from the norms of Classical style. Some scholars divide Beethoven's career, rather artificially, into three periods the Symphony No. 5 belongs to the second of these periods, and the String Quartet op. 131 to the third. (The first period includes works that are considered to be closest to the Viennese Classical style of Mozart and Haydn.)

Much of the music of the 19th century has been called "Romantic" music, so that Romanticism in Western music is considered the sequel to Classicism. What is certain is that many early 19th-century composers were influenced by the literary Romantics, such as Johann Wolfgang von Goethe. Poems by Goethe and other German-speaking authors were set to music, to be performed by solo singer and piano these brief settings were known as Lieder (literally, "songs" but distinguished from the less weighty Gesangen). Robert Schumann (1810-1856) was renowned for his Lieder. "Kennst du das Land?" sets a passage from Goethe's epic Wilhelm Meister, in which a young woman begs her "protector," the title character, to let her return to her home.

Romantic History (Schumann through Mahler)

LISTEN: Schumann, "Kennst du das Land?" (Do you know the place?) (1849) [Text]

The Romantic era was the heyday of the programmatic orchestral work. A program, in the musical sense, is a narrative that is to be presented, or at least suggested, by a purely instrumental composition. The French composer Hector Berlioz (1803-1869) subtitled his Symphonie fantastique "Episode in the Life of an Artist" at the symphony's performance, he distributed a program that detailed the travails of an artist suffering unrequited love. (It was an open secret that the artist was a fictionalized version of Berlioz himself, struck with love for with the actress Harriet Smithson.) The movement reproduced here, the fourth of five, is meant to depict the artist's drug-induced vision of being marched to the gallows to be hung.

The 19th century was also the heyday of the piano "miniature," short in length yet often emotionally charged. Fryderyk Chopin (1810-1849) was born in Poland, but lived in Paris for most of his working life. He composed solo piano music almost exclusively. Chopin's piano pieces did not carry poetic titles, as did those of some contemporaries instead, he assigned them to different types (etude, ballade, mazurka--the last a Polish dance). The "Preludes" were not introductory to other musical works, despite their names they were standalone pieces that did not fit into Chopin's other categories. Chopin's 24 preludes are often played as a set.

The operas of Giusuppe Verdi (1813-1901) dominated Italian music from the 1840's through the 1880's. Like many composers of the middle and late 19th century, Verdi was an ardent nationalist, believing that music written by Italians should exemplify a particularly Italian style. This style was based on a type of singing called bel canto ("beautifully sung"), which involved continuous, flowing melodies, emphasis on vowels, and long, high climaxes at dramatic points. Verdi also made heavy use of onstage choruses, often creating scenes in which the singing of soloists and of the chorus overlapped. Verdi's recitative passages were accompanied by full orchestra, making them more continuous with arias than were 18th-century recitatives, which were accompanied by harpsichord. In this scene from לה טרוויאטה, the spurned Alfredo accuses his ex-lover Violetta of infidelity, infidelity Violetta resorted to so as to protect Alfredo's family name. (It's a long story!)

Like Verdi, Richard Wagner (1813-1883) dominated the opera scene of his country--in Wagner's case, Germany. Also like Verdi, Wagner was a fervid nationalist he believed that German opera should be free of Italian and French influence, to the point of excluding self-contained arias entirely. In Wagner's ideal German opera, music, poetry, action, staging, and even set design were perfectly fused in the service of a single dramatic idea, as expressed through a story from Teutonic legend. (Wagner's term for the product of such a fusion was Gesamtkunstwerk-- "total art work.") Wagner intended the orchestra to play as great a role as the sung words in furthering the operatic narrative. To this end, he assigned the orchestra Leitmotiven ("leading motives"), brief melodic fragments which were associated with characters, objects, or ideas presented onstage. In this scene from Tristan und Isolde, the title characters drink a magic potion that creates undying (and forbidden) love between them. In the long passage without any singing, the potion takes effect as the orchestra presents the "Love-Death" Leitmotiv, which was introduced in a Prelude before the opera's action began.

In contrast to Wagner, who wrote operas almost exclusively, Johannes Brahms (1833-1897) wrote no operas at all. Many Germans considered Brahms to be Beethoven's first worthy successor in the field of instrumental music. The last movement of Brahms's Symphony No. 3 is reproduced here.

As the 19th century ended, composers combined the symphony and the Lied to form the symphonic Lied, for solo vocalist and orchestra. The Austrian conductor Gustav Mahler (1860-1911) wrote numerous sets of symphonic Lieder, as well as nine symphonies (which themselves included symphonic Lieder as some of their movements). Reproduced here is Mahler's "St. Antony's Sermon to the Fishes," a setting of a text from the folk-poetry anthology Das Knaben Wunderhorn (The Youth's Magic Horn).

LISTEN: Mahler, "Des Antoninus von Padua Fischpredigt" (St. Anthony's Sermon to the Fishes) (1893) [Text]

Early 20th-C. History (Debussy through Copland)

Many 20th-century composers turned away from harmonic methods that had been used in music for the past 150 years. The Frenchman Claude Debussy (1862-1918) rejected the rules of 19th-century harmony as they were taught in the Paris Conservatoire, instead infusing his practice with harmonic techniques from East Asia and Russia. Debussy's association with French painters of his time has led some people to label him and his music "Impressionist." Debussy did share with the Impressionist painters a propensity for depicting nature the orchestral piece reproduced here, one of three "nocturnes," is entitled "Clouds." (Debussy's "nocturnes" are not related to Chopin's use of the term.) With Debussy, we enter the "Modern" era of Western art music, an era which presumably continues to the present day.

LISTEN: Debussy, Trois Nocturnes, "Nuages" (Clouds) (1899)

Igor Stravinsky (1882-1971) also wrote music that did not use the harmonic methods of the 19th century. Stravinsky incorporated the folk music of his native Russia into his early compositions, while using harmonic techniques that were radically modern at the time. The subject of Stravinsky's ballet Le Sacre du Printemps ("The Rite of Spring"), a pagan ritual of human sacrifice, was meant to recall "primitive" culture. The excerpt here accompanied one of the ballet's many depictions of ritual dances preceding a final virgin sacrifice.

The American Charles Ives (1874-1954) was yet another composer to react negatively to the strictures of prior musical practice. Ives blended, overlaid, and contrasted snippets of music from all walks of American life: the country church, the dance hall, and the military base. Military music is most evident in "Putnam's Camp, Redding, Connecticut," a musical representation of the Revolutionary army marching at the winter quarters of General Israel Putnam. The tunes "Yankee Doodle" and "The British Grenadiers" are woven into the music, as is John Philip Sousa's march "Semper Fidelis."

Bela Bartok (1881-1945) was not only a composer and a pianist, but also an ethnomusicologist: he used a gramophone to record thousands of folk tunes in his native Hungary and in surrounding countries. Bartok's music ranged from explicit settings of these folk tunes to abstract works which bore a more subtle folk influence. The fourth movement of Bartok's String Quartet #4 probably falls into the latter category. The movement is set entirely in pizzicato--the two violins, viola, and cello are plucked rather than bowed.

The music of the Austrian Arnold Schoenberg (1874-1951) grew farther and farther from 19th-century harmonic models, until he was writing music that has been called "atonal," meaning that, in a certain technical respect, no note in it is more central than any other. (Almost no music from Gregorian times through the 19th century had been atonal.) In the 1920's, Schoenberg introduced the "twelve-tone system," a new technique for organizing music without the need for a central note. Schoenberg's Pierrot Lunaire, setting poems of Albert Giraud, dates from before his twelve-tone period. The poems transport Pierrot, the stock character of the Italian commedia del'arte, into alien, psychologically charged situations. Pierrot Lunaire uses a technique called Sprechstimme ("speech-sound") it is not quite spoken, not quite sung.

LISTEN: Schoenberg, Pierrot Lunaire, #8 "Die Nacht" (The Night), #12 "Galgenlied" (Gallows Song), #13 "Enthauptung" (Beheading) (1912) [Text]

The best-known work of Alban Berg (1885-1935), a student of Schoenberg, is the Expressionist opera Wozzeck. Expressionism, associated with painters and composers in Germany and Austria between the world wars, took as its subject matter the irrational unconscious, inner conflict, and alienation from the conventions of society. The title character of Wozzeck is an impoverished, deranged soldier, who discovers an affair between his lover Marie and the more impressive Drum Major. In the scene reproduced here, Wozzeck finds himself in a crowded bar after having cut Marie's throat near the end of the scene, the crowd discovers blood stains on Wozzeck's arm, inspiring him to flee.

Like Ives, Aaron Copland (1900-1990) drew on American folk music. Copland's ballet Rodeo depicts life among cowboys in the Old West. The melody of the final "Hoe-Down" is borrowed from traditional American fiddling.

LISTEN: Copland, Rodeo, "Hoe-Down" (1942)

Late 20th-C. History (Shostakovich through Harbison)

The Soviet Union under Joseph Stalin was hostile toward "modernist" music, i.e., music that broke too radically with 19th-century style and harmonic technique. The Party preferred aggrandizement of itself and of the Russian people by means of music that was relatively simple and triumphant. Shostakovich's own tastes ran to the satirical and ironic as often as to the victorious. Upon the occasion of victory over the Nazis in 1945, the prominent Russian composer Dmitri Shostakovich (1906-1975) presented his Symphony No. 9. Although the harmonic techniques of the symphony were only moderately removed from 19th-century techniques, Soviet authorities were displeased at the acid sarcasm they heard beneath the first movement's jubilant surface.

The most prominent French composer of the mid-20th century was Olivier Messiaen (1908-1992). Messiaen's music was motivated by his personal brand of Catholic mysticism the sounds of bird calls and the techniques of Indian classical music also influenced him. Messiaen wrote the Quatuor pour la fin du temps while he was imprisoned in a German POW camp during World War II. The title of the first movement, "Liturgy of Crystal," typifies Messiaen's combination of religious themes and vivid imagery.

Music history has always been characterized by the search for ways to make new kinds of sound--by constructing new instruments, by finding new ways of playing old instruments, by finding new ways for performers to work together. The search for new kinds of sound became particularly intense in the mid-to-late 20th century. ב Atmospheres, written by Gy rgy Ligeti (b. 1923), the string instruments combine to form a sound intended to be different from the sound of earlier string ensemble music.

LISTEN: Ligeti, Atmospheres (1961)

The use of early music synthesizers and the physical manipulation of magnetic tape prefigured today's use of digital sampling by many composers. Karlheinz Stockhausen (b. 1928) used a traditional song of religious praise as his raw material in this early example.

LISTEN: Stockhausen, Gesang der Junglige (Song of the Youths) (1956) [first 4:00]

Atonal music using Schoenberg's twelve-tone system never acquired a large popular audience, but it has continued to be used throughout the 20th century. More than anyone else, Milton Babbitt (b. 1916) fueled the stereotype of the university-supported American composer: a cloistered figure writing complex, mathematically controlled twelve-tone music for a narrow audience. Yet Babbitt has often said that the goal of his computations is musical beauty, not abstract cerebration.

LISTEN: Babbitt, משחק לזמן (1979)

The term "Minimalist" has been applied to late 20th-century musical works which repeat relatively simple patterns at great length. Steve Reich (b. 1936) is one of the most prominent Minimalists. שֶׁלוֹ Piano Phase features a piano playing a short pattern of notes repeatedly at the same time, a recording of the pianist plays back at a speed slightly slower than the original, so that the pianist gradually falls "out of phase" with her own recording. (The work can also be performed by two pianists, or by two recordings.)

LISTEN: Reich, Piano Phase (1967) [first 4:00]

Not all late 20th-century American music is atonal, minimalist, or based on electronic sounds. The Oboe Concerto of John Harbison (b. 1938) is a more recent composition than any of the works reproduced above, yet it is considered to be relatively traditional in terms of melody, harmony, rhythm, and the use of standard acoustic instruments.


צפו בסרטון: מוזיקה יוונית לאירועים עם נגן בוזוקי - מחרוזת שירים ביוונית - הרכב לקבלת פנים (דֵצֶמבֶּר 2021).